ANALISIS DEL CLASICISMO
Samuel E. Jiménez Sanabria Historia y Ciencias de la Música.
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Análisis del Clasicismo
INDICE
PROLOGO
LA SONATA Introducción.
La sonata clásica.
ANALISIS
Joseph Haydn: Sonata número 8.
L. V. Beethoven: Sonata Op. 49 número 2. Análisis comparativo.
LA SINFONIA Introducción.
La sinfonía clásica.
ANALISIS
W. A: Mozart: Sinfonía K.551.(Primer mov).
L. V. Beethoven: Sinfonía número 8.(Primer mov). Análisis comparativo.
CONCLUSION (Opinión personal) BIBLIOBRAFIA
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Análisis del Clasicismo
PROLOGO
En este trabajo he intentado explicar de forma clara y sencilla la base de los dos géneros musicales que más se desarrollaron durante la época musical del Clasicismo, la sonata y la sinfonía.
Para ello he hecho una pequeña introducción a cada uno de ellos, para explicar, seguidamente, cómo evolucionaron hasta el Clasicismo musical.
A continuación comento cada uno de los análisis, individualmente y de forma comparativa.
Y para finalizar, expongo una reflexión personal acerca de la música en este período.
Samuel Jiménez Sanabria.
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Análisis del Clasicismo
LA SONATA
Introducción
De mediados del siglo XVI a mediados del XVII , el término indicaba muy genéricamente la composición para instrumentos, para distinguirla de la destinada a las voces humanas (cantata) y de otras formas instrumentales, como el ricercare y la tocata. En este mismo sentido los ejemplos son muy numerosos. Entre otras, se suele hablar de las sonatas de Luis Milán, incluidas en el Libro de Música (1535), que siguen el hilo formal y contenido de las fantasías y composiciones de danza. Durante estos años aparece la primera raíz de la sonata con el significado que tendrá a partir del siglo XIX, o sea, como un trabajo en el que se distinguen con claridad unas piezas o movimientos ; y eso resulta evidente en la famosa canción francesa del siglo XVI, que se transfiere a Italia con elegantes y fundamentales pasajes hacia la música instrumental con el nombre de « canzone da sonare « . A este género pertenecen varias composiciones, unas similares y otras completamente diferentes en cuanto al ritmo, tempo, expresión, téctica de contrapunto, virtuosismo, etc...pero todas caracterizadas por la presencia de un único tema. El compositor modelaba a su gusto las diferentes partes de la sonata, con lo que reflejaba la gama entera de sus cualidades lingüísticas y su sentir poético e instrumental. Naturalmente , la sonata evolucionó y se perfeccionó a la vez que lo hacían los instrumentos. Así, aparecieron las sonatas firmadas por Legrenzi, ligadas a los capítulos violinísticos y articuladas en tres movimientos.
El alemán J. J. Kuhnau introdujo modelos definitivos con sus sonatas para clavicémbalo publicadas en el Klavierübung de 1689 y en las Frische Klavierfrüchte de 1696.
En la primera mitad del siglo XVIII aparecen estupendas creaciones como las de Paradisi, Rutini, y luego, Domenico Scarlatti. De hecho, la sonata escarlattiana, destinada al clavicémbalo, señaló a los vieneses el camino para crear el tipo fundamental del primer tiempo de sonata en dos movimientos, binaria y monotemática, con juegos entre la tónica y la dominante, que llevaron a Haydn, Mozart y Beethoven a la creación de las dos ideas temáticas y a los distintos dessarrollos. A la consagración de la forma contribuyó no sólo el mencionado Haydn, sino también J. Stamizt, el famoso maestro fundador de la escuela de Mannheim. Su modelo fue Allegro, Adagio, Minué, Allegro, el mismo que han empleado, con algunas excepciones, todos los grandes compositores de sonatas.
La Sonata clásica
Composición instrumental de varios movimientos. 5egún su plantilla instrumental, se distinguen en la época clasicista:
Sonata solista
Sonata a dúo, trío...
Sinfonía Concierto
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Análisis del Clasicismo
La forma Sonata ( Estructura)
La forma sonata se divide en tres partes que a continuación cito:
La exposición plantea por lo general tres hechos distintos: un primer tema (tema principal), un segundo tema (tema secundario) y un grupo final (coda, epílogo claramente conclusivo. Los dos temas son contrarios en carácter, estructura y armonía.
Exposición
1o Tema derivación 2o Tema resolución grupo final coda
Mayor T D D Menor t Rt Rt
Consecuencia de los contrastes armónico-temáticos es el desarrollo. Se denomina así tanto el lugar (sección de desarrollo, tras la exposición como el tipo de elaboración (técnica de desarrollo). La contraposición temática da lugar al trabajo motívico-temático; el desarrollo puede incluir, relacionándolo arbitrariamente, todo lo que se ha dicho en la exposición. Por su lado, la contraposición armónica ocasiona un proceso armónico abierto; el desarrollo puede también abrir, por una vía modulatoria-divagatoria, ámbitos armónicos lejanos.
Por una parte el desarrollo se aleja así de la exposición; por otra, desemboca al final en la reexposición.
El desarrollo, "abierto'' en lo que concierne a la dominante, empuja hacia la tónica en la reexposicíón. He aquí un elemento extraordinario del movimiento de sonata: la reexposición es objetivo y nuevo comienzo.
La reexposicíón recapitula la exposición. No obstante, tras el acontecimiento del desarrollo contempla la exposición con otros ojos. Anula la contraposición armónica de ésta: el segundo tema aparece también en la tonalidad principal; en los movimientos de sonata en modo menor se presenta a si mismo en la tonalidad mayor de igual nombre o en tonalidades cercanas. De aquí que se cambie el pasaje que sigue al primer tema y deriva de él. Por su parte, el grupo final corrobora el equilibrio armónico alcanzado, realizando ahora una cadencia sobre la tonalidad principal.
El desarrollo toma su contrapartida en la coda, del mismo modo que la exposición la halla en la reexposición.
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Comentario (Haydn, sonata no 8)
Haydn compuso hasta 1795 más de 50 sonatas para piano, además de variaciones y otras piezas. Recoge las influencias estilísticas y experimenta con la técnica, la forma y el contenido.
Sus sonatas de juventud, una de las cuales me dispongo a analizar, se llaman aún partitas y se integran con su minueto como último o penúltimo movimiento en la tradición vienesa de relajada música para clave.
Los movimiento de sonata del clasicismo temprano están estructurados a partir de lo armónico: los procesos armónicos articulan y afianzan su forma.
El primer movimiento de la sonata para piano en sol mayor, Hob. XVl/8, de Haydn, del año 1766, tiene :
La Exposición de 16 compases: propone el tema inicial (I) hasta el cp. 9; a continuación va el tema secundario (II) cp.9- 14 y un grupo final cp.14- 16, que aunque acaba en dominante, se ratifica una cadencia perfecta al ser precedente el acorde de dominante secundaria.
Continúa el Desarrollo, sección central en 10 compases, que termina en una semicadencia cp.26.
A partir de aquí tiene lugar la Reexposición que comienza en sol mayor como al principio y continúa durante toda la sección, en contraposición a la exposición que cambiaba a la dominante. Finaliza con una cadencia perfecta.
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Comentario(Beethoven , Op 49, no 2)
Considerado en su época un excelente pianista, improvisador y compositor para piano. Su voluntad de expresión y su estilo (pianísimo) influyeron decisivamente en la interpretación pianística del siglo XIX.
Compuso 32 sonatas, rondós, bagatelas, variaciones, etc.
La fantasía creadora de Beethoven es puramente musical, pero con frecuencia está motivada por lo extramusical.
La Sonata Op. 49, n° 2 en Sol mayor, del período intermedio, hacia 1795-98, está estructurada de 1a siguiente manera, encontramos la primera sección, exposición desde el inicio al compás 52. Del cp. 1 al 4 comienza la primera frase, con ímpetu y vigor, contrastando fuerte, piano, que se repite en los siguientes cuatro compases, empalmando con una larga transición que nos lleva al segundo tema, más melódico, comenzando en anacrusa y en la dominante, alterna ligado stacatto, se repite dos veces, luego es respondido jugando con elementos anteriormente citados, más pronunciados. Le sigue otra transición que nos lleva al desarrollo.
El tema, la primera frase, en Beethoven deja de ser un simple esbozo y llega a ser en cierto modo una idea, un personaje. En los pasajes modulantes, transiciones y desarrollos se convierten en pequeños dramas.
Otra particularidad de la sonata beethoniana es la división del segundo tema en tres frases, que se convierte en regla general. Conviene resaltar también la amplitud que toma el puente entre A y B, tanto en la exposición como en la reexposición.
El desarrollo se inicia en la tonalidad de re menor. con la misma figuración rítmica que el motivo inicial (A), modula a tonos cercanos y rápidamente aparece la reexposición que comenzando en sol mayor torna seguidamente a do mayor . luego a la menor. pasando pro re mayor y regresando a sol mayor. parece que el desarrollo continuara. Entre tanto llegamos al tema secundario, esta vez en alternancia tónica - dominante, con su puente, de las mismas características que en la exposición. y en el cp. 110 se inserta la coda volviendo a tono principal. el cual va fluctuando, a partir del cp. 116-120 repite incesantemente el sol en el bajo, (como nota pedal). finalizando en una cadencia perfecta.
Es un movimiento breve, pero plasma perfectamente su lenguaje contrastante, tanto en carácter, intensidad, figuración rítmica, y en el plano armónico juega todo el rato con tónica - dominante. modulando en la secciones intermedias y parte de la recapitulación a tonos cercanos.
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Análisis del Clasicismo
Análisis comparativo
Al hacer la comparción de las dos sonatas me bado en los siguientes parámetros :
dimensión, melodía, armonía, ritmo, textura, forma y estilo. Dimensión :
Existe una gran diferencia con respecto a la dimensión de las dos sontas. La sonata de Haydn consta de 46 compases, mientras que la de Beethoven tiene 112 compases. Esto da una idea de las grandes dimensiones de las composiciones de Beethoven , constante que se da durante todo su obra.
Melodía :
Ambas sonatas han sido compuestas a partir de dos temas principales A y B , el primero en la tónica y el segundo en la dominante. Las melodías se caracterizan por ser muy cantables y direccionales. Ambas son diatónicas y contienen muchos trinos y tresillos, muy característicos de esta época.
Armonía :
La armonía en ambas sonatas esta basada fundamentalmente en acordes de tónica y de dominante, siendo los principales centros armónicos los siguientes : T - D – SD – D – DD(domiantes secundarias).
En la de Beethoven el movimiento armónico o ritmo armónico es mas alto.En algunas secciones de la obra hay cambios de acorde por tiempo de compás.
Ritmo :
En Haydn las figuraciones rítmicas más frecuentes son los tresillos de semicorcheas. Así se configuran los temas y el desarrollo .
En Beethoven los tresillos son de corcheas, los cuales se intercalan en ambas manos (En los episodios), al contrario que Haydn que combina los tresillos con corcheas en casi la totalidad de la sonata.
Concluir diciendo que ambas estan escritas en ritmo binario.
Textura :
La textura es mucho más contrapuntística en Beethoven. Ëste combina acordes estáticos son amplios ascensos y descensos melódicos, dando una gran vivacidad a la composición.
Haydn, al contrario, desarrolla una textura mucho más homofónica y por consiguiente estática.
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Análisis del Clasicismo
Forma :
La diferencia básica entre ambas sonatas es que la de Beethoven incluye episodios( de 11 y 18 compases) tras la exposición de los temas. Aquí trabaja en profundidad el desarrollo motívico.
Estilo :
Sobre la técnica compositiva de ambos autores, podemos decir :
En Hayd, la organización motívica tiene lugar como un añadido sobre el que resulta posible fijar profesionalmente la atención sin que ello sea forzoso. Al oyente se le ofrece una voz principal que merece la pena escuchar y que se deja acompañar en su canto. Todos los motivos siguen siendo parte de la melodía.
En Beethoven, se trama la construcción a partir de elementos motívicos. Así, el oyente se ve forzado a escuchar esta construcción. Esta técnica fue desarrollada por Beethoven en la tercera etapa de su vida y por tanto, en sus obras más tardías.
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LA SINFONÍA
Introducción
El término , desde el punto de vista etimológico, se remonta ala antigua civilización griega, donde se refería a la consonancia perfecta de los intervalos, en contraposición con diaphonia , así como unísono que, a su vez, se contraponía a paraphonia (intervalo de quinta) y a antiphonia ( intervalo de octava ). Más adelante, precisamente en la época medieval, por sinfonía se entendían las consonancias de octava, cuarta, quinta y doble octava, y se aplicaba el término a las propias composiciones musicales basadas en estos principios polifónicos. Asimismo, hay que aclarar que, antiguamente, la sinfonía ( su exacta escritura latina era synphonia ) designaba ciertos instrumentos musicales, como por ejemplo un predecesor del clavicordio, el tambor o la gaita; podía ser también sinónimo de melodía o, en términos generales, de canto.
Para encontrar el significado de la sinfonía en su sentido instrumental, y por consiguiente moderno, hay que remontarse al siglo XV, cuando se produce una composición musical con el correspondiente título, cuyo manuscrito se conserva en Leipzig, “para tuba y otros instrumentos armónicos “. Posteriormente los historiadores se encuentran con un revelador documento firmado por Luca Marenzio, autor, en 1589, de intermedios orquestales, específicamente denominados sinfonías. La presencia exclusiva de instrumentos en la sinfonía, con total ausencia de la voz humana, fue ya analizada, y pudiéramos decir que defendida, por Praetorius en las tres partes del Syntagma Musicum ( 1614 – 1620 ); por lo demás , compositores de cierto nivel, como S. Rossi, A. Banchieri, y B. Marini, propusieron prácticamente las bases, formas y contenidos de la nueva sinfonía del siglo XVII.
Entre ese siglo y la primera mitad del XVIII, en pleno auge barroco, la sinfonía asume el carácter expresivo de pieza introductiva a una ópera: se trata , pues, de una pieza exquisitamente instrumental, pero ligada a la vocalidad y al dramatismo de la ópera que ocupará, acto seguido, la escena. Esta fórmula sinfónica encontró en la escuela napolitana el terreno abonado preciso para su crecimiento y su brillante desarrollo, perfeccionándose poco a poco en su estructura y en sus contenidos dramáticos.
En 1772 Francesco Bartolomeo Conti amplía la sinfonía, asumiendo formas y contenidos autónomos e individuales, y se apresta, por lo tanto, a su puesta a punto orquestal, fuera ya del contexto operístico.
Durante el siglo XVIII la sinfonía avanzó distinguiéndose por su monumentalidad y por la amplia distribución de los motivos entre las familias instrumentales, con objeto de ofrecer un espectáculo colorista y no sólo limitado a formas y diseños de gran precisión. Se pasó a un sinfonismo repleto de efectos instrumentales, donde cada voz se realizaba en toda la gama de sus propias posibilidades tímbricas y expresivas.-
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La Sinfonía clásica
La sinfonía, en su forma clásica, es una obra e cuatro movimientos para orquesta, según el modelo de la sonata.
La sinfonía clásica se representa sobre todo en la figura de J. Haydn con 104 sinfonías y W. A. Mozart con sus 41 sinfonías. Las primeras sinfonías de Haydn aún se hallan en las inmediaciones del divertimento, con un número variable de movimientos, pero a partir de 1765 aproximadamente tienen siempre 4 movimientos con minué.
Beethoven supera el concepto del género, y convierte a sus nueve sinfonías en soluciones individuales. Amplía la forma (desarrollo, coda) y agranda la orquesta. También hace afluir a la antigua forma de la sinfonía contenido extramusical: Su Sexta Sinfonía, “la Pastoral”, es una sinfonía característica o recuerdo de la vida campestre. En su Novena Sinfonía con coro final, Beethoven conbina la sinfonía y la cantata. El movimiento final ya no es un finale normal, sino que se guía, en cuanto a forma y contenido, por el texto de la oda “A la Alegría” de Schiller.
En el siglo XIX existen en el sinfonismo dos orientaciones, remitiéndose ambas a Beethoven: Ampliar el concepto clásico de la sinfonía por medios románticos (Schubert, Brahms, Brukner ...).
Buscar nuevas formas sinfónicas a través de un programa extramusical. Esta corriente lleva, a través de la sinfonía programática (Berlioz), hasta el poema sinfónico (Listz, Strauss).
Una síntesis de todas las posibilidades sinfónicas es el logro obtenido por G. Mahler en
sus nueve sinfonías.
En el siglo XX aparecieron grandes sinfonías para gran orquesta o para orquesta de cámara, pero todas ellas concretan en la realidad soluciones individuales, mucho más allá del concepto clásico de la sinfonía, como por ejemplo Webern, Strawinsky, Berio, etc...
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Comentario
La Sinfonía Júpiter tomó su nombre a causa del carácter brillante de su tonalidad inicial, Do Mayor y de la claridad de su escritura para viento ( clarines, trompetas agudas). Esta obra está claramente diferenciada e independiente , y corresponde a un nivel de mayor profundidad.
La estructura de esta sinfonía es la siguiente:
Exposición:
Comienza exponiendo el tema A en la tonalidad de Do Mayor ( C: 1 al 23). Seguidamente hay un ritornello , que he llamado “b” ( C: 24 al 55)
El segundo gran tema , C , se expone en la tonalidad de Sol Mayor (dominante).(C:56 al 80) Le sigue un pequeño episodio , “d” . ( C: 81 al 100).
Finalmente aparece un tercer tema, E, en la misma tonalidad que el segundo (Sol Mayor)
Desarrollo
En primer lugar aparece, compás 123; el tema E , en la tonalidad de Mi bemol. A continuación , compás 161, mezcla los temas A y b , y desarrolla esta idea hasta llegar a la reexposición ( C: 189)
Reexposición
Como se ha dicho, comienza en el compás 189 , en el que aparece nuevamente el tema A, en Do Mayor, desarrolla seguidamente los temas :
b en la tonalidad de Do menos. C: 212.
A+B en Sol Mayor , C: 225.
C en Do Mayor, C: 244
d (episodio) en Do Mayor , C: 270 E en Do Mayor , C: 289
Concluye este primer movimiento con una CODA que comienza en el compás 299 y termina en el 313
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Comentario
Este primer movimiento de la Octava Sinfonía de Beethoven se caracteriza por una paz, por una refinada satisfacción que sólo en algunos momentos se rompe para dejar paso a un espíritu más travieso. Se ha dicho con mucha razón que la Octava Sinfonía comienza allí donde termina la Séptima. Cuando en el transcurso de este movimiento Beethoven se permite alguna broma, lo hace sin la menor malicia. Sólo una vida llena de las experiencias más amargas y una voluntad de pensamiento inflexible puede conducir a semejante precisión en los sentimientos.
La estructura de este movimiento es la siguiente:
Exposición:
Tema A,enFaMayor(C:1al11).
Contratema A ́ ( C: 12 al 23)
Episodio ( C: 24 al 32)
Puente modulatorio ( C: 33 al 37). Este puente conduce al tema B
Tema B, en Re Mayor (C: 37 al 45). Se repite ( sección vientos) seguidamente en la dominante Do Mayor ( C: 45 al 51)
Episodio modulatorio, en Do menor ( C: 52 al 69). Éste conduce al tema C.
Tema C, en Do Mayor ( C: 70 al 89)
Episodio o codetta ( C: 90 al 103). Concluido éste se repite toda la exposición.
Desarrollo:
El desarrollo, que comienza en el compás 104, es una variación constante sobre el motivo del tema A. Es una sección modulatoria que atraviesa diversas tonalidades (Do Mayor – Do menor – Sí Mayor – La Mayor) para llegar de nuevo a la tonalidad principal: Fa Mayor. Este regreso a la tonalidad principal se produce, a partir de La Mayor, mediante un episodio modulante que comprende los compases 136 al 189 , llegando así a la reexposición.
Reexposición:
Aparece, en primer lugar, el tema A ( compás 190) . El contratema A ́, aparece variado por figuras menores ( C: 208 al 230) , seguido del episodio y un puente ( C: 231 al 234) que conduce al tema B.
El tema B se reexpone, en Fa Mayor, en los compases 234 al 238, junto a su correspondiente episodio ( C: 249 al 266).
Aparece el tema C, en Fa Mayor, ( C: 267 al 286) seguido de su episodio ( hasta el compás 303).
En el compás 304 se inicia una sección modulante en la que el tema A es variado ( A ́) ( C: 304 al 311) y nuevamente modificado ( A ́ ́ ) ( C: 323 al 332).
Concluye este primer movimiento con una extensa coda de 41 compases (333 al 373) en el tono principal de Fa Mayor, mediante una cadencia perfecta V-I.
Análisis comparativo
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Análisis del Clasicismo
Dimensión
Ambos movimiento son muy parecidos en extensión . El correspondiente a la sinfonía de Beethoven consta de 60 compases más.
Melodía
Ambos construyen sus temas a partir de motivos muy definidos, conformando estos movimientos mediante melodías claras y cantables.
Beethoven, sin embargo, incluye en los episodios melodías menos concisas y basadas en progresiones armónicas, modulantes o no que dan a la composición un carácter general más profundo.
En Mozart son muy característicos los tresillos y los trinos, influencia, tal vez , de sus estudios sobre la obra de Haydn.
Armonía
Principalmente diatónica, sobre todo en Mozart, que utiliza fundamentalmente la armonía de tónica y dominante, recurriendo a la modulación ( ya se establezca una nueva tonalidad o no) de forma casi exclusiva en el desarrollo.
Beethoven, al contrario, es mucho más aventurado armónicamente. Incluye secciones modulatorias entre los diferentes temas, especialmente en el desarrollo que es una continua variación motívica modulante. También realiza variaciones del tema principal (A) en otras tonalidades para introducir la coda final.
Estilo
La Octava Sinfonía de Beethoven es una de las más pequeñas de su producción, mientras que la K. 551 de Mozart es, tal vez, el punto más alto que el compositor alcanza en este campo. Con respecto al estilo , a mi parecer, estas sinfonía son las más parecidas entre la producción de ambos compositores.
Mozart encuentra la seriedad y profundidad sinfónica, mientras Beethoven abandona momentáneamente la tragedia para esbozar una obra refinadamente humorística. Ambos movimientos son un punto medio entre el estilo de ambos compositores .
La sinfonía de Mozart se caracteriza por una perfecta síntesis entre la forma y el contenido , de los estilos galant y erudito, de la tersura y el encanto, por una lado, y de la profundidad de la textura y la emoción por el otro.
Beethoven elabora los temas y motivos hasta el máximo de sus potencialidades. Logra gran continuidad mediante el desdibujamiento de la línea divisoria, como , por ejemplo, progresiones cadenciales que terminan en tiempo débil. Esto es una característica común de sus obras tardías. También consigue tesituras extraordinaria con los diferentes instrumentos de la orquesta, al contrario que Mozart.
Reflexión personal
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Análisis del Clasicismo
El Clasicismo, el período que a albergado los nombres de los más grandes compositores de todos los tiempos ( Haydn, Mozart, Beethoven...) surgió como respuesta a un Barroco en el que el virtuosismo musical había llegado a su más alta expresión con Bach y Haendel. En esta época se han escrito, supuestamente, las grandes obras maestras de la música culta en la historia del hombre, eternas e insuperables.
Sin embargo, desde mi punto de vista, el Clasicismo carece ( en gran parte ) de una cualidad que yo considero esencial en la música: La expresión de un sentimiento.
El academicismo reinante en estos tiempos provocó que muchos compositores tuvieran que esconder la mano y escribir solamente lo que era “correcto”, perdiéndose así una parte importante del sentir de un músico al margen de sus contactos con la realeza.
En mi opinión, Mozart malgastó 2/3 de su vida escribiendo obras sin relevancia alguna gracias a sus sobrenaturales dotes, las cuales (y otras circunstancias de su vida) le impidieron darse cuenta de que la música es arte puro y no de galería para coleccionistas. Así veo la mayoría de la producción del Clasicismo, como también veo que las últimas obras de Mozart son de lo mejor de la Historia de la Música. ¿ Que hubiera escrito el maestro austríaco si hubiera vivido 20 años más?.
El gran cambio llegaría con L. V. Beethoven. El hombre que en medio de los altos humos de la sociedad aristocrática de la Viena del momento, puso toda su alma en cada nota que escribió sin importarle nada excepto la hermandad de la humanidad y la profundidad del ser humano. Así consiguió, y no por su talento (que consistió en trabajo y sacrificio) abrir los ojos de una sociedad clasista y llena de prejuicios y convertirse, a mi modo de ver, en el compositor más importante de todos los tiempos.
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Análisis del Clasicismo
BIBLIOGRAFÍA:
ENCICLOPEDIA DE LA MÚSICA Casper Höweler
Editorial Noguer S. A. ( Barcelona-Madrid)
ATLAS DE MÚSICA Ulrich Michels Editorial Alianza Atlas
HISTPORIA DE LA MÚSICA OCCIDENTAL,2 Donald J. Grout / Claude V. Palisca
Alianza Música
CONTRAPUNTO Walter Piston Editorial Labor S. A.
COMTRAPUNTO Dieter de la Motte Editorial Labor S. A.
FUNDAMENTOS DE LA COMPOSICIÓN MUSICAL Arnold Schönberg
Editorial Real Musical (Madrid)
MÚSICA EN EL TIEMPO Editorial Rombo(Barcelona)
DICCIONARIO ENCICLOPÉDICO DE LA MÚSICA Editorial Rombo(Barcelona)
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Análisis del Clasicismo